Próximamente haremos públicos los detalles de esta edición (una pena que no incluya ‘Para Entrar a Vivir’, la entrega que dirigió para Películas Para No Dormir).

Por el momento desconocemos el precio que tendrá en las tiendas…

La Filmografía completa de Jaume Balagueró tiene los siguientes títulos:

2012     REC – Apocalipsis
2010     Flatmate
2010     Miedo (cortometraje)
2009    [REC] 2
2007    [REC]
2006    Para entrar a vivir (película)
2005    Frágiles
2002    Darkness
2002    OT – La película
1999     Los sin nombre
1995     Días sin luz
1994     Alícia

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Con la joven y muy prometedora Chloe Moretz como principal reclamo de los tres carteles, el próximo 22 de Octubre se estrenará en nuestro país este film que ha escrito y dirigido Matt Reeves (’Monstruoso’).

Esperemos que no hunda mucho a la obra de culto del sueco Tomas Alfredson, Let the Right One In.

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Splice es una película, supuestamente de terror y ciencia ficción, nada original, pues está montada con trocitos e ideas de otros films de temática similar: De El doctor Frankenstein coge el hecho de que unos científicos juegan a ser Dios; de Deep Blue Sea la idea de combinar ADN animal con el humano para mejorar la raza humana (en aquella ocasión se trataba de tiburones y el fin era curar el alzheimer); de El sexto día adopta el problema moral y legal que supone jugar con el genoma humano y, por último, de la que más cosas copia es de Species: Especie mortal (hasta el título es similar), film en el que no sólo se combina ADN humano con el de otra especie (en Splice es animal, en Species extraterrestre) sino que también trata el asunto del despertar sexual de la nueva criatura.

Las cuatro películas mencionadas, además de versar sobre avances en la tecnología y la evolución, también eran altamente entretenidas. Ya puestos a plagiar, ¿por qué Vincenzo Natali ha escrito y dirigido algo tan soberanamente aburrido? Todavía no me puedo creer que viendo un film con premisa tan interesante (manipulación genética junto a la creación una nueva y peligrosa especie en clave de thriller) sea tan soporífero y cargante.

Uno de los principales culpables de que el relato sea tan adormecedor es su guión, que narra el desarrollo de la película con la lentitud propia y exasperante de un experimento científico, lo cual la hace fracasar como thriller al no suscitar ningún tipo de suspense. Además los caracteres principales están definidos de forma bastante deficiente, de manera que ni los actores pueden sacar demasiado jugo a sus roles, en especial Adrien Brody (El pianista) incapaz de variar su cara de pasmado, ni el libreto aderezar la historia con las particularidades de cada uno. Y en cuanto al terror… ¿Cómo es posible que en su distribuidora pretendan englobarla dentro de dicho género? Eso sí es ciencia-ficción.

Entre la falta de energía a la hora de contar la historia, el poco atractivo de los diferentes personajes, los vulgares efectos especiales y la total ausencia de imaginación, estamos ante un film mediocre, que desaprovecha su elenco, es predecible hasta decir basta y resulta tan desesperantemente tedioso, que se hace interminable a pesar de que su duración es inferior a las dos horas.

De la filmografía de Natali sólo he visto otra película: Cube. Y he de confesar que vuelve a incurrir en el mismo error, al no saber desarrollar de forma convincente una buena premisa, lo que habla de su torpeza como escritor y realizador. Me he aburrido tanto que estoy empezando a mirar con mejores ojos las dos últimas películas de la saga Species y eso que salieron directamente a vídeo-club.

Título Original : Splice
Año : 2009
Duración : 104 min

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Dicha información la ha hecho público el encargado de dar vida a la susodicha criatura, Neville Page:

No recurriremos exclusivamente a la animación por ordenador para dar vida al monstruo, sino que nos basaremos en un trabajo de efectos especiales clásicos.

Neville Page tiene en su curriculum, ‘Los Cuatro Fantásticos’, ‘Superman Returns’, ‘Las Crónicas de Narnia’, ‘Watchmen’, ‘Avatar’, ‘Piraña 3D’, ‘Green Lantern’,… por lo que práctica no le faltará.

Este es el tráiler que de momento significa lo único de la película, aparte del teaser poster.

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¿Recordáis una película de Monty Python, de 1983, titulada El sentido de la vida? Una de las múltiples cosas que se parodiaban era el mundo de los donantes de órganos. Imagináos la situación: un donante era asaltado en su casa, todavía vivo, para exigirle que cumpliese su contrato de donación.

En clave de humor negro tiene su gracia, pero ¿a quién se le ocurriría hacer una película en serio con semejante argumento? La respuesta la tenéis aquí, en Repo Men, ópera prima del vídeoclipero Miguel Sapochnik, basada en la novela Repossesion Mambo de Eric García.

Podríamos definir el guión elaborado por el propio Eric García y Garret Lerner (guionista de series como House, John Doe o Roswell) como un relato distópico, ya que retrata una sociedad ficticio-futurista en la que ciertas tendencias sociales, como quedar atrasado en los plazos de un pago, llegan a extremos apocalípticos. Sin embargo no ahonda demasiado en su denuncia social en contra de la sanidad de pago norteamericana, la crisis actual y las grandes corporaciones, ya que sólo es un contexto en el que recrear un filme de acción.

La primera parte del metraje promete. Tras el impacto inicial de ver a un frío psicópata ejecutar su trabajo, disfrutaremos de varias secuencias de acción rodadas a gran ritmo, con un buen cuidado del apartado visual. Sus protagonistas, Jude Law (Sherlock Holmes, Closer) y Forest Whitaker (El último rey de Escocia, Dueños de la calle) representan bastante bien el papel de fríos asesinos que culminan sus trabajos para el cínico Liev Schreiber (Lobezno, El mensajero del miedo) tanto que uno comienza a no tomarse en serio la historia, pues resulta un tanto inverosímil que la humanidad llegue a tal grado de deshumanización e insensibilidad. Sapochnik trata de evidenciar todavía más este clima de decadencia moral, con una estética bochornosamente similar a la de Blade Runner (incluso hay planos calcados).

Hacia la mitad de la película, el libreto rompe por completo con el espíritu inicial, ya que el cazador se convierte en presa y, entonces, comienza a cuestionarse la atrocidad de sus anteriores actos, narrado todo de una forma muy poco creíble y descuidando por completo a los personajes secundarios interpretados por Carice van Houten (Valkiria, El libro negro) y Alice Braga (Soy leyenda, Ciudad de Dios) los cuales podrían haber dado mucho juego en todo lo relacionado con la huida del protagonista.

Como en su ecuador el filme pasa de ser entretenido a casi soporífero, con subtramas alejadas del argumento principal, que no interesan a nadie, la disparatada solución final que propone Sapochnik para volver al dinamismo del comienzo es tan absurda como gore, con un más que evidente homenaje a Old Boy de Park Chan-wook, secuencias sanguinolentas de muy mal gusto y una última trampa de esas que a uno le dejan con la sensación de que le han tomado el pelo.

En resumidas cuentas, una mezcolanza de géneros (drama, acción, ciencia ficción, gore) excesivamente ruidosa (como hacen casi todos los que provienen del mundo del vídeo-clip), cuya única pretensión es entretener (lo consigue a medias) que posee un guión trillado y poco original (además de lo ya comentado también adopta cosas de Minority Report, La fuga de Logan, Brasil y Matrix, además de atreverse a parodiar a Star Wars) y cuya mayor virtud son los efectos visuales. En mi humilde opinión, tan desaprovechada como decepcionante.

Título Original : Repo men
Año : 2010
Duración : 111 min

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La Academia de Artes y Ciencias de la Televisión de Estados Unidos celebró anoche su 62 edición de los premios Emmy, cuya ceremonia fue conducida por Jimmy Fallon. Dos de las series que más triunfaron en la gala fueron ‘Modern Family’ (que rompió la hegemonía de ‘30 Rock’ y se llevó a casa el premio de mejor comedia), que además sumó un total de 6 galardones, y ‘Mad Men’ (que ganó por tercer año consecutivo y dejó con las manos vacías a la última temporada de ‘Perdidos’), que no obstante tan sólo se hizo con 4 de los 17 galardones a los que optaba. Pero los que más estatuillas se llevaron fueron la miniserie sobre la II Guerra Mundial producida por Tom Hanks, ‘The Pacific’, que logró ocho Emmy, y el telefilme ‘Temple Grandin’, con siete.

MEJOR DRAMA

“Mad Men”

MEJOR ACTOR DRAMA

Bryan Cranston, “Breaking Bad”

MEJOR ACTRIZ DRAMA

Kyra Sedgwick, “The Closer”

MEJOR ACTOR DE REPARTO DRAMA

Aaron Paul, “Breaking Bad”

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DRAMA

Archie Panjabi, “The Good Wife”

MEJOR COMEDIA

“Modern Family”

MEJOR ACTOR COMEDIA

Jim Parsons, “The Big Bang Theory”

MEJOR ACTRIZ COMEDIA

Edie Falco, “Nurse Jackie”

MEJOR ACTOR REPARTO COMEDIA

Eric Stonestreet, “Modern Family”

MEJOR ACTRIZ REPARTO COMEDIA

Jane Lynch, “Glee”

MEJOR MINISERIE

“The Pacific”

MEJOR PELICULA PARA LA TELEVISION

“Temple Grandin”

MEJOR ACTOR PARA MINISERIES O PELICULA PARA LA TELEVISION

Al Pacino, “You Don’t Know Jack”

MEJOR ACTRIZ PARA MINISERIES O PELICULA PARA LA TELEVISION

Claire Danes, “Temple Grandin”

MEJOR PROGRAMA DE VARIEDADES, MUSICA O COMEDIA

“The Daily Show with Jon Stewart”

Fuente COMPLETA: ElSeptimoArte.net

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‘Toy Story 3′ es por tanto la película de animación más taquillera de la historia y le séptima de toda la industria del cine.

Rich Ross, presidente de Walt Disney Studios comentó:

“Ha sido un año increíble, ver al equipo de Pixar dar de nuevo vida a Buzz y Woody en la gran pantalla y ver el mundo ideado por Tim Burton en ‘Alicia’. Estos triunfos en taquilla demuestran que la imaginación y las narraciones creativas es algo en lo que el público cree y responde”.

‘Toy Story 3′ es la película de mayor éxito en Inglaterra en la historia de Disney, siendo la cuarta de todos los géneros en ese país con 102 millones de dólares recaudados. En Japón, la película ha recaudado 111 millones de dólares, siendo durante cinco semanas consecutivas número uno. Estos son sólo algunos de los éxitos que la película está cosechando por todo el mundo.

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Todos sabemos que en las pesadillas, uno siempre despierta antes del posible fatal desenlace. Craven utiliza magistralmente este argumento con Freddy Krueger, un ser que persigue y aniquila adolescentes mientras sueñan.

Además de jugar con el miedo y los elementos oníricos, el guión, escrito también por Craven, explora otros ámbitos como la poca capacidad de entendimiento de los adultos ante los problemas manifestados por el grupo de adolescentes que padecen a Freddy. Tampoco descuida la desazón de estos muchachos que, en un principio, piensan que están siendo víctimas de algún tipo de posesión.

La principal fuente de terror del film radica en el aterrador pensamiento de que si uno se queda dormido, morirá. Craven sabe explotarlo en una narración firme que no decae, de manera que el espectador siempre sentirá la opresión que soportan los diferentes caracteres.

Pesadilla en Elm Street está considerada como película de culto. Por un lado tenemos la terrorífica idea de que un ser tan maligno como humorísticamente macabro, sea capaz de traspasar la frontera de los sueños; por otro, los clásicos sustos y escenas sangrientas están muy bien filmados, ya que la puesta en escena, la ambientación y la excelente banda sonora de Charles Bernstein generan, por sí mismas, un clima de tensión importante; en el apartado visual, aunque se nota la tecnología ochentera, goza de secuencias tan impactantes como bien elaboradas en sus diferentes crímenes y, como guinda final, supuso el debut en la interpretación de uno de los actores más conocidos en la actualidad: Johnny Depp.

Fue tal su éxito que, al igual que otras producciones de terror de la época como Viernes 13 o Halloween, contó con numerosas secuelas, algunas de ellas bastante dignas (en especial las partes tercera y cuarta) aunque otras, como era de esperar, resultaron horribles.

Su personaje principal, Robert Englund (el lagarto bueno de V) se hizo de oro con el papel, aunque acabó un tanto harto por una razón que convence: nadie le librará de quedar encasillado. Englund no participa en el remake que se estrena estos días, pero de eso ya hablaremos cuando toque.

Título Original :  A Nightmare on Elm Street
Año : 1984
Duración : 91 min

CRÍTICA – PESADILLA EN ELM STREET 2: LA VENGANZA DE FREDDY
Un año después del gran éxito cosechado por Pesadilla en Elm Street, la productora New Line Cinema sacó la secuela, un film que, personalmente, me parece el peor de toda la saga. La razón es muy simple: se pierde por completo la esencia del personaje.

¿Qué diferenciaba a Krueger de Jason o Michael Myers? Su ámbito de trabajo: los sueños. Sin embargo en esta película se pierde por completo el espíritu de la original, aquello que la convirtió en film de culto, ya que Krueger se pasa a la posesión, introduciéndose en la mente de un joven a quien le obliga a cometer asesinatos por doquier, pero no dentro de los sueños, sino en la vida real.

Tal fue el cambio sufrido por el personaje que el propio Wes Craven, cuando leyó el guión, se negó a dirigir La venganza de Freddy. En su lugar New Line contrató a Jack Sholder, que venía de dirigir la discreta Sólos en la oscuridad y que nunca supo estar a la altura de las cotas de tensión alcanzadas por Craven un año antes. También está la pérdida de cinismo y humor macabro del protagonista, con lo que Freddy pasó de ser un mito a convertirse en un matón más.

Otro error fue sustituir la formidable banda sonora de Charles Bernstein por las composiciones musicales de Paul Franciss Witt.

Pasarían dos años hasta la siguiente entrega de Freddy Krueger la cual, afortunadamente, volvió, con mayor o menor acierto, a los cánones establecidos por Craven en el film original.

Título Original : A Nightmare on Elm Street II: Freddy’s Revenge
Año : 1985
Duración : 83 min

CRÍTICA – PESADILLA EN ELM STREET 3: LOS GUERREROS DEL SUEÑO

Los guerreros del sueño debería haber sido la primera secuela de Pesadilla en Elm Street ya que, a diferencia de la pésima La venganza de Freddy, evoluciona a partir de donde quedó el film original.

Con Wes Craven y nada más y nada menos que Frank Darabont (La milla verde, Cadena perpetua) en el guión, el relato trata de profundizar tanto en Freddy Krueger (Robert Englund) como en los personajes que sobrevivieron a la primera parte: la protagonista, Nancy (Heather Langenkamp), que con el paso de los años se ha convertido en una psiquiatra especializada en trastornos del sueño (algo coherente teniendo en cuenta su pasado) y su padre, el teniente Thompson (John Saxon), como policía venido a menos que ahoga sus penas en el alcohol (también comprensible habida cuenta de lo sucedido en la primera película).

Además de definir bastante bien la citada evolución de estos personajes, el libreto aporta nuevos roles bastante interesantes, como el llevado a cabo por Patricia Arquette (Medium) interpretando a una chica que tiene un don: la capacidad de introducir a otras personas dentro de sus sueños. Esto dará juego para situaciones en las que un grupo de jóvenes (el llamado los guerreros del sueño) puedan aunar fuerzas para atacar al malvado Krueger, que hasta ahora sólo se había enfrentado a sus víctimas en concepto de uno contra uno.

Pero Freddy deberá sortear otro frente: el de su pasado. En esta tercera parte se ahondará en los orígenes de este villano con cuchillas en lugar de dedos, lo que dará pistas acerca de cómo acabar con él desde una perspectiva real, sin necesidad de entrar en su territorio, el mundo de los sueños.

Hay otro avance de lo más interesante en esta secuela: si los sueños, como decía Calderón de la Barca, sueños son, ¿por qué Freddy tiene que ser el único capaz de llevar a cabo hazañas extraordinarias? Los jóvenes asediados por Krueger darán rienda suelta a su imaginación buscando su “sueño feliz”, de tal manera que, mientras duermen, desarrollaran poderes y habilidades que no poseen en la vida real, con el fin de acabar de una vez con su pesadilla.

En resumidas cuentas, estamos ante una magnífica segunda parte (sé que es la tercera, pero a mi modo de ver se comporta bajo los arquetipos de una primera continuación) que recupera la atmósfera de tensión del original (mérito del buen trabajo en la realización de Chuck Russell, director entre otras de Eraser y La máscara), además de la banda sonora de Charles Bernstein y experimenta significativos progresos en varios frentes: el sentido del humor macabro y socarrón de Freddy y su crueldad, las posibilidades de unas víctimas que toman la iniciativa, nuevas e ingeniosas maneras de asesinar, el concepto de Krueger como mal supremo al que hay que vencer con elementos del bien, un elenco de actores más completo (a los ya mencionados destacar la figura de un jovencito Laurence Fishburn, acreditado aquí como Larry Fishburn) y una última cuestión: el destape. Las dos primeras películas fueron un tanto recatadas, pero ésta, aunque sin excederse, tiene un momento picante lo suficientemente hábil como para no perder la elegancia.

Sólo un año después llegaría la cuarta entrega, motivada por el afán recaudatorio de New Line Cinema. Cuentan que el jefe del estudio dijo a Wes Craven, durante la primera película, que había ideado la hamburguesa perfecta y todos sabemos cómo devoran, al otro lado del Atlántico, este tipo de comida. Aún así, ya os adelanto que no defraudó. Sería a partir de la quinta cuando la saga comenzaría a perder fuerza (junto con la segunda, claro) pero de eso hablaremos en otro momento.

Título Original : A Nightmare on Elm Street III: Dream Warriors
Año : 1987
Duración : 97 min

CRÍTICA – PESADILLA EN ELM STREET 4:

Con Pesadilla en Elm Street 4 se podría decir que la serie comenzó a cambiar el rumbo, dejando a un lado el terror para pasar, poco a poco, al humor y al entretenimiento. En ello tuvo mucho que ver la elección del nuevo director, Renny Harlin, con experiencia mayoritaria en el cine de acción y si no echad un ojo a su currículum: La jungla 2, Las aventuras de Ford Fairlane (donde también contó con Robert Englund), Máximo riesgo, Deep Blue Sea… De hecho, en toda su filmografía sólo encontramos tres films de terror: dos cuartas partes (la que hoy nos ocupa y El exorcista: el comienzo) y la prescindible La alianza del mal.

En esta entrega veremos a un Freddy excesivamente sarcástico y socarrón. Cada vez que comete un crimen tiene que soltar antes algo chulo, lo que provoca la risa en el espectador en lugar de miedo. No es del todo malo ya que tiene su gracia, sin embargo, en las posteriores películas, esta actitud en busca del humor cada vez más macabro en lugar de tratar de generar pavor entre el respetable, terminaría por degenerar hasta un punto en que llegaría a aburrir.

En el tramo inicial, veremos nuevamente a tres de los supervivientes de la tercera parte: Kristen (a quien no reinterpretó Patricia Arquette por haberse quedado embarazada, lo que supuso una reescritura del argumento y el uso de una nueva actriz, Tuesday Knight), Kincaid (Ken Sagoes) y Joey (Rodney Eastman). Los tres empiezan a sentir que Freddy ha vuelto y pronto lo padecerán en sus carnes, una vez más. A ellos se sumarán nuevos personajes, entre los que destacaremos a Alice (Lisa Wilcox) por ser una persona capaz de dominar el mundo de los sueños.

El libreto (que supuso el debut como guionista de Brian Helgeland, el contrastado escritor de L.A. Confidential, Mystic River o El fuego de la venganza) continúa evolucionando en torno al temible Freddy Krueger (magistralmente interpretado, una vez más, por Robert Englund) y a sus potenciales víctimas. Freddy lleva tantos muertos a cuestas en cuatro películas que ya ha terminado con los hijos de aquellos que lo quemaron en vida, así que debe servirse del último de ellos para poder entrar en las pesadillas de nuevos inocentes y así hacerse con sus almas. Mientras tanto, en el bando de los “buenos”, aparece una interesante línea argumental en torno al traspaso de poderes, ya que la protagonista (la ya mencionada Lisa Wilcox) irá heredando las habilidades de aquellos que van falleciendo a manos del temible Krueger.

En cuanto a efectos especiales, esta cuarta parte mejora en la faceta visual, con secuencias ya míticas para el género como las almas tratando de salir del cuerpo de Freddy, la cama de agua, la trampa para cucarachas o la espeluznante escena de las cabezas de las víctimas a modo de ingredientes de pizza.

El problema es que, a pesar de la mejora en efectos y la ya mencionada evolución de villano y héroes, conforme nos acercamos al final del metraje, el film se vuelve repetitivo y previsible, defecto que, lamentablemente, iríamos viendo en los siguientes capítulos.

Pesadilla en Elm Street 4 está considerada por muchos como la más rocambolesca de todas. Hay más acción que en otras, el sentido del humor aumenta, el ritmo de narración es bastante ágil, su duración corta y, además, presenta ciertos guiños cinematográficos bastante divertidos hacia películas como Karate Kid o Tiburón, de forma que si bien la calidad comenzaba a bajar, todavía estábamos ante un producto de lo más disfrutable.

Siempre he creído que la saga Freddy Krueger debería haber sido una trilogía conformada por las películas 1, 3 y 4, pero ¿quién se atreve a acabar con la gallina de los huevos de oro? Esta cuarta parte volvió a ser un filón recaudatorio, a pesar de tener que competir directamente con la cuarta parte de Halloween, estrenada en Estados Unidos el mismo año (a España llegaría en 1989). Así que, una vez más, sólo habría que esperar un año para ver las nuevas aventuras de Freddy Krueger.

Título Original : A Nightmare on Elm Street IV: The Dream Master
Año : 1988
Duración : 97 min

CRÍTICA – PESADILLA EN ELM STREET 5:

Stephen Hopkins (Depredador 2, Los demonios de la noche, Perdidos en el espacio) fue el encargado de dirigir el quinto capítulo de la serie. Desde el principio observamos un claro cambio en las tendencias, asemejándose más al cine de terror juvenil de la época: mayor carga de desnudos, más sangre y más tacos.

El principal problema de los muchos que atesora esta producción, es la fractura con respecto al espíritu original de la saga, no tan grave como lo cometido en La venganza de Freddy (parte 2) pero por ahí andan los tiros: los protagonistas ya no se encuentran a salvo quedándose despiertos, por lo que toda la tensión que en ediciones anteriores se acumulaba, en los vanos intentos de las víctimas por no ser vencidas por el sueño, se ha perdido.

El trío de guionistas encabezados por Leslie Boehm (atención a sus joyitas: House III (y no precisamente el doctor que sale en la FOX), Daylight, El álamo versión 2004…) trató de dar un giro de tuerca a los comienzos de Freddy Krueger, mostrando lo que ya sabíamos: cómo su madre fue violada por un centenar de locos. A partir de ahí y tras un renacimiento un tanto irrisorio del malvado personaje, la protagonista (repite Lisa Wilcox tras sobrevivir en la cuarta entrega) queda embarazada, supuestamente por Freddy (no queda claro del todo) y el señor Krueger aprovecha los sueños del feto para acabar con las vidas de los amigos de la madre.

Si el argumento ya resulta demencial, observar cómo los antes ingeniosos y macarras comentarios de Freddy Krueger han dado paso a la vulgaridad, mientras que las otrora originales muertes ahora resultan repulsivas, dan una idea de lo que pasa con las productoras cuando ven dinero fácil: un mínimo gasto para un máximo beneficio, explotando el producto Krueger hasta que dejara de tener éxito y teniendo en cuenta que acaba de estrenarse la versión 2010, seguro que las arcas de New Line Cinema están a rebosar (incluso se habla ya de otra entrega para 2012). Cierto es que la producción mejora en efectos especiales, destacando una secuencia dentro de un cómic muy similar al video-clip de A-Ha, Take on me. Pero no es suficiente, ni mucho menos, para salvar la película.

Lo comenté en una ocasión: En New Line dijeron a Wes Craven que Freddy Krueger era la hamburguesa perfecta y a fe que acertaron, pues por malas que sean las continuaciones, seguimos viéndolas. Es el encanto de un villano que nos tiene atrapados. La prueba es que una vez más (1989) tuvo que combatir con otro estreno de la saga Halloween (también la quinta parte) y, de nuevo, no salió mal parada.

Dos años después se estrenó una nueva parte, titulada La muerte de Freddy… ¡Hay que ver cómo nos engañaron!

Título Original : A Nightmare on Elm Street V: The Dream Child
Año : 1989
Duración : 91 min

CRÍTICA – PESADILLA FINAL, LA MUERTE DE FREDDY (PESADILLA EN ELM STREET 6):

En 1991 Rachel Talalay debutaba en la dirección cinematográfica con la que, supuestamente, iba a ser última entrega de las andanzas del cada vez menos temible y más cómico Freddy Krueger. El resultado fue tan malo que no es de extrañar que Talalay, tras dos mediocridades más de bajo presupuesto (Ghost in the machine, Tank Girl) se pasara al mundillo de la televisión para encontrar trabajo.

La serie de Pesadilla en Elm Street iba cuesta abajo y sin frenos. Si la quinta parte ya resultó inferior a las anteriores, ésta llegó a tocar fondo. El argumento vuelve a indagar acerca de los orígenes de Freddy Krueger, cambiando con total desfachatez e impunidad partes de su pasado, como el motivo por el que comenzó a matar a los hijos de los habitantes de Elm Street.

El argumento nos sitúa en Springwood, localidad en la que sólo queda vivo un menor de edad (el resto, como podéis suponer, ha yacido a manos de Krueger). Freddy quiere valerse de ese chico para introducirse en las pesadillas de adolescentes de otros lugares y así continuar matando. Después se complica un poco con la aparición en escena de su propia hija (obviando por completo todo lo sucedido en la quinta, donde parecía tener un hijo) aunque al final todo se reduce a lo siguiente: chavalitos que se quedan dormidos con una facilidad pasmosa (ya no hay tensión por el hecho de intentar mantenerse despiertos, simplemente cierran los ojos a conveniencia del libreto) a los que Freddy atormenta, acosa e insulta de forma soez y poco original (sólo se salva una secuencia que tiene como protagonista al audífono de un chico que padece de sordera).

Se supone que el aspecto fuerte de la película eran los efectos especiales, con un último tramo en tres dimensiones (sí, ya existían antes de ahora) más irrisorio que otra cosa (el momento en que desde la película avisan al público de que debe usar las gafas para disfrutar del 3D es patético). Sin embargo, los efectos de sonido tipo dibujos animados hacen que uno jamás pueda tomarse en serio esta producción. De hecho, entre el sonido y la pandilla en furgoneta que trata de resolver un misterio sobrenatural, parece que estamos ante una versión grotesca de las aventuras de Scooby Doo en lugar de visionando una película de terror.

Atendiendo al título, la película parecía estar confeccionada como colofón al mítico Freddy Krueger. Incluso durante los títulos de crédito finales se homenajea a toda la saga con sus mejores y más impactantes imágenes. Sin embargo, Wes Craven debió de pensar que su gran creación no merecía un final tan esperpéntico (con el paso del tiempo Krueger había pasado de ser un formidable villano a convertirse en un vulgar payaso) y tres años después escribiría y dirigiría una nueva y original entrega, con la que, de alguna manera, salvó la honra de su creación. Y menos mal, porque denostar así a todo un personaje de culto debería ser ilegal.

Título Original : Freddy’s Dead: The Final Nightmare (A Nightmare on Elm Street 6)
Año : 1991
Duración : 91 min

CRÍTICA – LA NUEVA PESADILLA DE WES CRAVEA (PESADILLA EN ELM STREET 7)

Diez años después del éxito cosechado por la primera entrega de Pesadilla en Elm Street, Wes Craven decidió reconciliarse con New Line Cinema retomando su célebre personaje de Freddy Krueger. El problema era que, en el film anterior de la saga, habían matado de una manera definitiva a este memorable villano.

¿Cómo solucionar este pequeño inconveniente? Craven tuvo una idea brillante basada en un argumento típico de otros géneros: cine dentro del cine. Así, la película nos situaba a actores, director y productores, todos ellos interpretándose a sí mismos, en el año de estreno del nuevo film (1994). Resultaba curioso ver en pantalla a los propios Wes Craven (director, guionista y productor ejecutivo) y Robert Shaye (productor ejecutivo) tratando de convencer de nuevo al elenco original para que apareciese en una nueva Pesadilla en Elm Street.

A partir de aquí la cosa se complica, ya que los miembros del equipo de rodaje, incluídos los responsables de la parte técnica, empiezan a tener horribles pesadillas. Cuando muere el primero de ellos, comienza a planear la sospecha de que Freddy Krueger, como encarnación del mal, ha logrado traspasar los límites de la ficción para hacer de las suyas en el mundo real.

La idea de Craven fue bastante ingeniosa. En el film, él sueña con las secuencias antes de escribir cada capítulo del nuevo guión y, mientras tanto, éstas se van cumpliendo. El problema es que una vez superada la premisa inicial, el libreto no aprovecha al máximo todas su posibilidades, convirtiéndose en una continuación más, eso sí, con un relato mucho más propio del género de terror que las bromas que supusieron las partes cinco y seis.

Quizá el problema es que la historia se centra demasiado en Heather Langenkamp y su hijo, interpretado por Miko Hughes (Mercury Rising, Poli de guardería). Si Robert Englund (como sí mismo, claro) o John Saxon hubieran tenido más calado en la trama, creo que la película habría ganado muchos más enteros. Pero el guión peca de poca profundidad en ese aspecto, dejando una sensación de “lo que pudo haber sido y no fue”.

Otro aspecto negativo es lo poco que aparece Freddy Krueger. Se vislumbran sus actos, uno siempre lo tiene presente, pero salvo en el tramo final, nunca es el verdadero protagonista.

Uno siempre tendrá esa espinita clavada de un guión al que le faltó algo de trabajo, sin embargo volver a disfrutar con alguna que otra secuencia memorable (a destacar las de la autopista y todo lo sucedido en el hospital), paladear una vez más la tensión de aquellos que saben que si se duermen morirán y asistir de nuevo a un tratamiento serio y novedoso de Freddy Krueger, mereció la pena.

Título Original : Wes Craven’s New Nightmare (AKA: A Nightmare on Elm Street 7)
Año : 1994
Duración : 109 min

CRÍTICA – FREDDY CONTRA JASON

Hace diez años que en Springwood no muere nadie. Desde la última vez que Freddy Krueger fue vencido, las autoridades locales se han encargado de ocultar toda su historia con el fin de que nadie le vuelva a tener miedo. La nueva generación de adolescentes no sabe qué ocurrió años atrás en el 1428 de la calle Elm, así que Freddy no tiene poder alguno para volver a aterrorizar a la población.

Sin embargo un genio del mal tan astuto como este villano siempre tiene un plan. Así que para volver a su reinado de terror, busca en lo más profundo del averno a otro psicópata ochentero, Jason Vorhees, a quien engaña, introduciéndose en sus sueños, para que regrese de entre los muertos, vaya a Springwood y comience a matar.

Al principio el plan de Freddy funciona: Jason siembra el terror y el caos y todo el mundo cree que es obra de Krueger, que ha vuelto. El miedo de los lugareños le vuelve fuerte pero con lo que no contaba era con la insaciable sed de sangre de Jason, que asesina a todo el mundo antes de que pueda quedarse dormido. Así las cosas, Freddy sigue sin poder matar y no tiene más remedio que enfrentarse a Jason en un combate de colosales proporciones.

Hacía diecinueve años que Wes Craven había ideado al mítico Freddy Krueger. Desde entonces las diferentes secuelas han destrozado y de qué manera a este personaje de culto. En 1994 el propio Craven lo dignificó un tanto en el film La nueva pesadilla, sin embargo no lo dejaron en paz, pues la gallina de los huevos de oro seguía siendo tan fructífera que había que continuar sacándole beneficio.

De este modo, en 2003 se estrenó este Freddy vs Jason, que volvió a enriquecer ampliamente las arcas de New Line Cinema. El nuevo director, el hongkonés Ronny Yu (La novia de Chucky) tenía las ideas claras: aprovechar el calado de dos personajes como Freddy Krueger y Jason Vorhees, introducir generosos desnudos y mucha sangre, emplear diálogos ridículos a modo de autoparodia, utilizar los típicos sustos que provocan el chillo fácil de las quinceañeras y ejecutar una realización que destacase en velocidad de narración, buena factura visual y magnífica fotografía. Como dijeron diecinueve años antes a Wes Craven en New Line, la hamburguesa perfecta para ser deglutida vorazmente por ese amplio sector que compone el público adolescente.

Así pues, mientras vamos rememorando los brutales actos cometidos por este par de slashers durante sus películas anteriores, las atractivas chavalitas ligeras de ropa (o sin ella) y los litros de sangre, el metraje pasa casi sin enterarnos hasta llegar al gran final, lo cual no es para tirar cohetes pero, teniendo en cuenta que el director es oriental y que el cine de terror proveniente de aquellos lares aburre en grado sumo, no está mal.

Esta disparatada y mediocre historia fue un intento de resucitar ambas sagas. En 2009 vimos el remake de Viernes 13, que resultó un tanto flojito y actualmente, en 2010, acabamos de ver el de Pesadilla en Elm Street, vilipendiado por la crítica estadounidense sin ningún tipo de razón, ya que esta vez sí estamos ante una buena película de miedo. El caso es que Freddy vs Jason supuso tal éxito en taquilla que ya se habla de un Freddy vs Jason 2 para 2012, curiosamente el mismo año en que está prevista una nueva película de Pesadilla en Elm Street… ¿No os duele la cabeza con tanto remake, secuela y demás? ¿A dónde se habrá marchado la imaginación de los guionistas hollywoodienses? Podrían hacer una película sobre este último interrogante, ¿no os parece?.

Título Original :  Freddy vs Jason
Año : 2003
Duración : 115 min

CRÍTICA – PESADILLA EN ELM STREET: EL ORIGEN:

Como seguidor de Wes Craven en general (creo que hay poco reconocimiento a alguien que lleva revolucionando y reinventando de forma inagotable el género del terror desde 1972) y de su mítico Freddy Krueger en particular, me sentí aterrorizado al enterarme de que Michael Bay iba a poner sus manos, como productor, en un remake de mi slasher favorito. Afortunadamente, tras ver la película he de decir que me siento gratamente sorprendido, pues no sólo se ha recuperado el espíritu del original de Craven (las últimas secuelas habían degenerado en demasía) sino que además, el realizador Samuel Bayer (proveniente del ruidoso mundo del video-clip) ha logrado algo muy difícil en la actualidad: hacerme pasar miedo y tensión viendo una película.

Para empezar, el guión escrito por Wesley Strick (El cabo del miedo, Lobo) y el debutante Eric Heisserer es una actualización del impecable film original elaborado en su día por Craven y no una absurda copia, como aquella lamentable versión de Psicosis con la que Gus Van Sant nos castigó en 1998. Evidentemente retoma ciertos elementos que encumbraron la obra de Craven, como aquel primer asesinato en el que la víctima parecía poseída, volando por la habitación chocando contra techo y paredes, así como las temibles cuchillas de Freddy emergiendo del agua de una bañera o el desenlace del relato, por citar algunos ejemplos. Lo bueno es que sabe recuperar esas míticas secuencias manteniendo la atmósfera de tensión y pavor.

La esencia del film original podía dividirse en dos partes: el villano como la maldad personificada y la angustia derivada de alguien que sabe que, si se queda dormido, morirá. Ambas recobran fuerza en esta versión, ya que algunos personajes están a punto de fallecer por una simple cabezada.

La puesta en escena, los efectos técnicos, la factura visual, la atmósfera asfixiante y terrorífica, el ritmo narrativo, la adecuada banda sonora y varios sustos muy bien conseguidos son la parte buena del film, además de los actores secundarios, en especial la atractiva Katie Cassidy (seguro que muchos recordáis su morboso y atrayente personaje de Sobrenatural) que sabe reflejar el terror en su rostro de tal manera, que uno empieza a sentir cosquilleos en cuanto la ve en peligro. Otros secundarios destacables son Thomas Dekker (Las crónicas de Sarah Connor) o Kellan Lutz (uno de los Cullen en Crepúsculo) que tiene un breve pero muy intenso papel.

Y ahora llega la parte negativa. Por seguir un orden, comenzaré por los actores principales. Jackie Earle Haley (Shutter Island, Watchmen) no tiene ni una cuarta parte del carisma que confirió Robert Englund a este personaje de culto. El hábil manejo de las situaciones por parte de director y guionistas es lo que asusta al espectador, pero no este Freddy Krueger. Después tenemos a los dos protagonistas “buenos”, Rooney Mara (la hermana sosa de Kate) incapaz de variar su gris careto a lo Kristen Stewart (parece que se ha puesto de moda posar con tristeza en lugar de interpretar) aunque le claven una inyección de adrenalina en el corazón (importante guiño a Pulp Fiction) y Kyle Gallner (Smallville, Exorcismo en Connecticut) carente de talento para modificar de alguna manera su sempiterno gesto melancólico (vamos, que son tal para cual).

Después está la poca capacidad de sorpresa y misterio en la trama, ya que tras un sinfín de secuelas, todos sabemos quién es Freddy Krueger y por qué mata.

Por último, además del clamoroso error de cásting al contratar al sustituto de Robert Englund, el libreto falla a la hora de definir a este personaje, ya que le faltan las grandes dosis de ironía y su humor enfermizo y macabro, destacando su carácter maléfico muy por encima del humorístico, quizá porque querían romper con la imagen excesivamente soez y vulgar que ofreció Krueger en las últimas películas de la serie.

En resumidas cuentas y a pesar de los fallos comentados, esta revisión moderna de Pesadilla en Elm Street es un producto disfrutable por su buen tratamiento del género del terror y su capacidad para entretener. Los críticos profesionales la han maltratado a gusto (ellos mismos) y los excesivamente puristas, quizá hayan quedado defraudados con el personaje de Krueger. Opiniones habrá para todos los gustos, desde luego, pero os diré una cosa: soy un fiel seguidor de la saga y, en líneas generales, lo he pasado bastante bien con el visionado de este film. De hecho creo que las verdaderas tropelías contra la creación de Wes Craven se cometieron en las partes segunda, quinta y sexta. A partir de ahí, que cada uno saque sus propias conclusiones.

Título Original : Toy Story
Año : 2010
Duración : 102 min

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Además, preguntado acerca de lo que le parece el uso del 3D en las películas de terror, comentó que en los ochenta y noventa ya se usaba el 3D para las sagas del género que estaban “en las últimas”. Es decir, como Viernes 13 3D. Versiones tridimensionales, o con fragmentos en dicho formato, que se generaban para seguir exprimiendo la taquilla mientras se pudiera.

James Cameron no tiene pelos en la lengua. Aunque por ahora no dice nada muy claro acerca del estreno de Avatar 2. Se espera para 2014. Por ahora habrá que conformarse con los ocho minutos extras en el reestreno de Avatar.

Fuente: ElMulticine.com

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Por fin ha llegado la adaptación cinematográfica de la celebérrima serie El equipo A. Hace ya varios años que se venía hablando de ella y, ciertamente, aquellos fans que crecimos con las andanzas del Coronel Hannibal Smith teníamos muchas ganas de revivir sus aventuras. Probablemente la nostalgia sea la causante de que mi opinión no sea demasiado objetiva y ponga al film mejor de lo que debería, pero una de las cosas que te permite esto del séptimo arte es la de trasladarte a otra época, con todo lo que ello implica en concepto de buenos recuerdos y por lo que a mí concierne, El equipo A lo ha conseguido.

Creo necesario dedicar una parte importante a los personajes, ya que fueron ellos quienes hicieron grande la serie. De los cuatro, el más conseguido, el que mejor refleja el espíritu acerca de quién fue, es Mad Murdock, algo que me ha sorprendido, pues no tengo en muy alta estima al protagonista de Distrito 9, Sharlto Copley. Creo que tanto sus locuras como su humor están a la altura de lo que Dwight Schultz hizo en los ochenta.

Sobre los otros tres, veo luces y sombras. Inicialmente se pensó en Bruce Willis para encarnar a Hannibal y creo que hubiese sido un acierto. Liam Neeson es un actor contrastado y ejecuta una buena interpretación como coronel del ejército, pero no es Hannibal. George Peppard dio vida a un personaje que sonreía en cualquier situación, por peligrosa que fuera, a la vez que soltaba comentarios ingeniosos que demolían por completo la moral de sus enemigos, es decir, lo que tan perfectamente ha hecho Bruce Willis en películas como Jungla de cristal, El último boy scout o cualquiera en la que protagonizara a un héroe de acción. Tampoco se ha explotado su gran faceta para los disfraces. Neeson es demasiado serio y sólo recuerda al memorable Peppard cuando dice aquello de “me encanta que los planes salgan bien”.

El caso de Templeton Peck (en España apodado Fénix, en Estados Unidos Faceman) es similar. Para esta película se han limitado a poner al guaperas de moda (Bradley Cooper, uno de los protagonistas de la desternillante Resacón en Las Vegas). Así que el tipo pone toda clase de sonrisas, luce en cuanto puede sus abdominales, se mueve bien en el papel de conquistador, también resulta un eficiente timador, pero le falta la gracia que Dirk Benedict otorgó a este entrañable personaje, esa picardía no exenta de elegancia, así como el temor que solía profesar cuando escuchaba los temerarios planes de Hannibal.

Por último M.A. Baracus (en Estados Unidos B.A.) no me ha gustado. Imagino que Quinton “Rampage” Jackson (El vagón de la muerte) ha hecho lo que estipulaba el guión, pero Mr. T daba un miedo atroz mientras que este M.A. más bien parece un buen chico.

Sobre el desarrollo de la película, decir que Joe Carnahan (Ases calientes, Narc) es responsable de dirección y guión y, o bien los hermanos Scott (Ridley y Toni) le han atado de pies y manos o bien se ha notado en exceso que no tiene experiencia en grandes superproducciones.

El libreto, como ya hemos visto, no está demasiado acertado al definir a los protagonistas. Y en cuanto al argumento: muchísimo ruido y acción desmedida para algo tan simple como un comando del ejército ejecutando un plan para limpiar sus nombres. De hecho, el ruido es tan ensordecedor que apenas si deja escuchar las diferentes estrategias para planes o fugas, puntos fuertes de la serie original.

En cuanto a realización, prácticamente todo es cine de acción, la cual podríamos definir en tres grupos de secuencias: las buenas, las tipo Bourne y las delirantes. Las primeras son aquellas en las que uno puede apreciar la calidad de los efectos especiales, mientras es capaz de seguir el devenir de los personajes. Las segundas, como seguro os figuraréis, están protagonizadas por primeros planos y velocidad mareante de cámara, de tal manera que resulta imposible saber, a ciencia cierta, qué ha pasado. Y las delirantes son las que guardan similitud con aquella secuencia de Goldeneye, en la que Pierce Brosnan como James Bond desafiaba, de forma demasiado inverosímil, las leyes de la gravedad sobre una avioneta (y de este tipo hay unas cuantas).

Vais a decir que al final he criticado bastante la película, así que a lo mejor no he sido tan subjetivo como pensaba. ¿O sí? La he valorado con un 7 y os preguntaréis por qué. La respuesta es sencilla: a pesar de todos los fallos de adaptación, de no estar de acuerdo con parte de los actores elegidos y de censurar un guión en el que sólo hay tiros, explosiones y giros rocambolescos de cámara, he disfrutado en grande viendo la película. La razón la he esgrimido al principio: me he trasladado a los ochenta, con lo que he vuelto a disfrutar del grato recuerdo que tengo de mi infancia, con las ocurrencias de Hannibal mientras fumaba sus puros, las locuras de Murdock, la picardía de Fénix y las acciones de tipo duro de M.A. Y si además lo adornan con la espectacular Jessica Biel (El ilusionista, Blade III), mejor que mejor.

Título Original : The A Team
Año : 2010
Duración : 121 min

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